Esto podría ser lo imposible.Entrevista Mariana Collado & Lucio A. Baglivo.Nave 73.Surge Madrid.9/10/21

Cuando se muestra un trabajo escénico todo sucede en el aquí y el ahora. El cuerpo en movimiento es un presente absoluto.
Entonces:
¿Cómo representar el paso del tiempo en nuestros cuerpos?
¿Cómo responden ellos ante los recuerdos, ante lo material, ante los espacios que fueron importantes para nosotros?
¿Cómo se podría plasmar ahora una escena que sucederá en el futuro?¿Puede un cuerpo viajar en el tiempo?
¿Cómo explicar en un instante una vida entera?
¿Podremos traer nuestras muertes al presente?

Ante estas preguntas queremos constatar qué sucede con nuestros cuerpos al intentar responderlas a través del humor absurdo, la danza contemporánea, el flamenco y el teatro.

¿Cómo nace este espectáculo?

Lo que principalmente genera este nuevo proyecto es el deseo. Hace muchos años que nosotros, Mariana y Lucio, nos conocemos y admiramos. Estos últimos años los hemos dedicado intensamente a nuestra primera creación “MyL”. Para nosotros, fue un maravilloso proceso lleno de entendimiento y comprensión con respecto
a movimiento, conceptos, intenciones dentro de la escena, dramaturgia… desde el principio nos sentimos muy cómodos el uno con el otro, a la hora de abordar la creación de algo nuevo.
Por ello nos parecía interesante seguir trabajando juntos desde esa conexión tan particular y característica que compartimos cuando nos unimos en cuerpo y alma para el desarrollo de una obra.
A día de hoy, queremos continuar con nuestra complicidad, así surgió la necesidad de comenzar este nuevo proyecto “Esto podría ser lo imposible” en el que nos embarcamos con muchas ganas de seguir compartiendo nuestra peculiar forma de ver la danza y las artes escénicas.
Ambos deseamos seguir creciendo como directores y coreógrafos, teniendo una constancia en nuestras creaciones y desarrollando en la investigación de un lenguaje de movimiento propio, poético y cercano que creemos original, auténtico, divertido, espontáneo y pulido.

¿Qué queríais contar con el?

Queremos manifestar en escena nuestras perspectivas tan diferentes como son el flamenco, la danza contemporánea, las herramientas teatrales y la acrobacia. Buscamos poner en cuestión la danza, lo teatral, el humor, el absurdo y la performance, poniendo en juego qué diferencia estos géneros y cuánta flexibilidad puede haber en una propuesta para pasar de uno a otro de una manera accesible y no forzada, realidad y ficción:

¿cuál es el límite? ¿Cuál es la diferencia?

Cuando se muestra un trabajo escénico, durante el transcurso del mismo, todo sucede en el aquí y el ahora. El cuerpo en movimiento es un presente absoluto. Entonces nos preguntamos:

¿Cómo representar el paso del tiempo en nuestros cuerpos?
¿Cómo responden ellos ante los recuerdos, ante lo material, ante los espacios que fueron importantes para nosotros? ¿Y los espacios que ni siquiera hemos conocido? ¿Cómo se podría plasmar ahora una escena que sucederá en el futuro? ¿Puede un cuerpo viajar en el tiempo? ¿Cómo explicar en un instante una vida entera? ¿Podremos traer nuestras muertes al presente? ¿Cómo podemos demostrar que han pasado 5 años desde la última vez que nos vimos, que bailamos juntos? ¿Cómo podemos volver al pasado para vivir en el presente un recuerdo que añoramos?

Ante estas preguntas queremos constatar qué sucede con nuestros cuerpos al intentar responderlas. Queremos dirigir al público a otro tiempo, a otro espacio.
Es el intento imposible de plasmar en danza, mediante lo escénico, conceptos abstractos.
Es entrar y salir de las escenas sin una correlación cronológica.
Es vaciar nuestro cuerpo de recuerdos para llenarlo con nuevas emociones que nos llevarán a otro tiempo, a otro espacio, (¿a otro ser?).
Es hacer que el cuerpo viaje haciéndonos conscientes del cambio que sufre durante ese
recorrido: cómo se erosiona, cómo se afecta, cómo muta.

¿Como ha sido el proceso creativo, y de qué manera se construye hasta llegar al resultado final?

Ha sido un proceso bastante intenso, donde hemos tenido que aterrizar conceptos muy abstractos, como son el tiempo, el espacio, el continuo devenir y como los cuerpos evolucionan y responden a ellos.
Los primeros ensayos fueron muy mentales, intentando racionalizar todas las preguntas que nos habíamos cuestionado. Muchas horas de probar con nuestros cuerpos todas las maneras que eran adecuadas para contar lo que planteábamos en la propuesta, pero a la vez muchas de ellas no llegaban a lo que nosotros queríamos mostrar, por ello fueron muchas las posibilidades que íbamos descartando, que se nos iban escapando de las manos, hasta que agarrábamos la adecuada. Fue duro pero muy satisfactorio, ver como íbamos construyendo la historia y todo iba encajando según el sentido que sentíamos era el adecuado para la creación.
Después fue instalándose poco a poco en el cuerpo. Ha sido un proceso lento, donde todo lo que sucedía ha sido el resultado de muchas horas de cuidado y reflexión, nada ha quedado a la aventura, todo esta bastante atado y pensado. Aunque siempre en todas nuestras propuestas damos mucha importancia a su naturaleza cambiante y nunca entendemos que una obra esta finalizada, porque estamos siempre abiertos a la viveza de la escena y a su necesidad de ser y estar con ella y para ella.

¿De qué forma completa la música el montaje?

La música es indispensable en esta obra ya que apostábamos por una puesta en directo.
Para ello contamos con Alfonso Acosta y Víctor Guadiana, indispensables ya para nosotros. Ellos fueron los que crearon la música oringinal en la primera producción y confiamos plenamente en su trabajo y profesionalidad.
Queríamos que formaran parte del proceso creativo y que fueran parte de este mundo que generamos dentro de la escena. Desde el principio han estado presentes en todas las decisiones musicales y han plasmado a la perfección todas las intenciones, rítmicas, melodías que imaginábamos en nuestra cabeza. Así la música, como una banda sonora, te va acompañando por cada escena dándole vida y completando la dramaturgia que planteamos en este viaje a través del espacio-tiempo.
La música va transitando por todos los lugares a los que nos dirigimos y hace que el espectador pueda de una manera más sencilla y afable seguir el recorrido de la obra.

¿De qué manera os condiciona la música en lo que bailáis y como lo bailáis?

Decidimos que queríamos que cada escena se abordara de manera diferente, por ello hay composiciones que están al servicio del movimiento y al contrario. Otras piezas que nacen exclusivamente de la necesidad de la dramaturgia y van creciendo sobre los mismos acordes igual que crecen los personajes. Y un lugar exclusivo y hermoso a la
improvisación, que te mantiene despierto y en tu ser durante el proceso creativo y durante la obra.
La realidad es que no hemos tenido una manera matemática de abordar la música, sino que en cada escena-momento la hemos trabajado según sus necesidades y las nuestras.
Nos parecía interesante, que existiera esa conexión a la hora de introducir el movimiento coreografías y composición.

¿Qué reacciones os gustaría generar con este espectáculo al público?

Que se rían, que se emocionen, que disfruten, que les haga reflexionar y pensar, pero sobre todo lo que nos gustaría es que quieran volver a ver la obra.
Nos encantaría que, al terminar de verla, tengan esa sensación de necesitar verla de nuevo para disfrutar de los pequeños detalles. Eso sería maravilloso, quedarte con ganas de repetir.

¿Cuales son los coreógrafos nacionales que más os interesan en la actualidad?¿Qué cualidades destacarías de ellos?¿Qué montajes consideras arriesgados en la escena nacional actual?

Como intérpretes, coreógrafos y creadores admiramos a todo aquel que está dispuesto a exponer su discurso en escena. Sobre todo porque somos conscientes lo complicado que es en nuestro contexto llevar adelante una creación escénica. No podríamos definir quien nos inspira más en estos momentos porque siempre intentamos ver en cada artista la esencia particular e irrepetible. Creemos que estamos en una época donde hay muchísima diversidad, libertad y entendimiento tanto de los creadores como del público, que esta dispuesto a recibir todas las propuestas con agradecimiento y sensibilidad.

¿Cómo se puede mantener una compañía dadas las circunstancias actuales?

Con muchísimo esfuerzo y sobre todo con muchísima ilusión. Las ganas de seguir creciendo y de generar un lenguaje propio es lo que mueve a un creador, es lo que nos mueve a nosotros en particular.
Hoy en día tienes que estar preparado, para todo. No solo dentro de escena, coordinando todo lo relativo a la creación… sino detrás de ella, o, mejor dicho, detrás de la pantalla del ordenador, donde pasamos más horas de las que quisiéramos para estar muy pendientes de las convocatorias para residencias artísticas, técnicas, festivales, ferias … ya que al ser una compañía emergente no contamos con un soporte económico potente como para
poder desarrollar nuestras obras sin pensar en las limitaciones existentes.
Nos mantenemos ofreciendo propuestas que creemos interesantes y trabajando duro para entrar dentro de las convocatorias, redes, residencias… y así ir solventando los problemas que siempre han perseguido a los artistas, lo económico.

Y, para terminar:
¿Qué consejo le darías a alguien que quiera iniciarse en la danza?

Que lo haga, sin duda. Confiando en el mismo siempre.
Aprender y Formarse en todo lo que le interese, en todas las vertientes artísticas que le llamen la atención, es importantísimo ser un ser cultivado. Que sea capaz de disfrutar de la vida con cada detalle. Porque la vida te llena de experiencias que son las que te hacen ser quien eres.
Aprender de todas las personas que se crucen en su camino. Porque todo el mundo tiene un mensaje que nos sirve para aprenderlo, entenderlo y reflexionarlo.
Ser cauto, despierto y sobre todo ser libre para nosotros mismos y para los demás sin juzgar

Aqui podeis ver su trabajo anterior:MyL

Foto Portada  ©maykiso-fotografia

Esto podría ser lo imposible

Mariana Collado & Lucio A. Baglivo

LENGUAJES RELACIONADOS CON EL MOVIMIENTO